От «песни козлиной» к важнейшему из искусств
15.04.2019
Руслан Червяков,
специалист по истории советской повседневности
Комедия — это самый противоречивый жанр театрального искусства, ведь только он претерпел значительное смысловое преображение. Так, первоначально в рамках комедии реализовывалась идея борьбы, противостояния, где в самом конце главные герои приходят к некоему консенсусу. Главным отличием от трагедии было отсутствие смерти в конце. С течением времени сатира в комедии, в которую обличали обсуждение важных проблем, стала ее главной отличительной чертой.
Еще в Древней Греции в комедиях Аристофана можно было увидеть шутливые зарисовки на темы, посвященные политическим событиям в Афинах. С течением времени в этот жанр внедрились и сюжеты бытового характера, так как кризис власти позднего Эллинизма просто не позволял выйти на какие-то яркие политические темы.
Как мы уже говорили ранее, становление русского профессионального театра приходится на середину XVIII века. Поначалу основу репертуара новоиспеченного театра составляли легкие пьесы, способные пробить зрителя на слезу.
Постепенно русского зрителя начинают приобщать к классике мирового драматического искусства, правда, их переводы были не всегда близки к оригиналу.
Например, шекспировский Гамлет в переводе драматурга А. П. Сумарокова мало походил на принца Датского, поэтому впоследствии пришлось делать новый перевод.
Война 1812 года, ставшая своеобразной отправной точкой для очередного периода русской истории, дала толчок в том числе и к развитию русского драматического искусства.
В конце царствования Александра I, в 1825 году, Александр Сергеевич Грибоедов создает известную многим поколениям россиян пьесу «Горе от ума». Остроумная поэтическая комедия о противостоянии молодого человека косности и формализму московского общества первой четверти XIX века дошла до широкого зрителя не сразу.
Первые постановки в Петербурге запрещались, и только лишь в 1831 году она была поставлена в Александринском театре Санкт-Петербурга.
В том же году пьеса была поставлена в Москве при участии тогдашних звезд театральных помостов — Михаила Щепкина и Павла Мочалова, исполнивших соответственно Фамусова и Чацкого. Умелая проработка пьесы драматургом (стихотворная форма, сочетание новаторства и классических приемов, афористичность слога), помноженная на великолепную актерскую игру, произвели неизгладимое впечатление на всех зрителей.
Не остался в стороне и государь Николай I. Примечательно, что особого расположения императора добился игравший второстепенную роль престарелого князя Тугоуховского актер Степанов, получивший в награду императорский перстень и тысячу рублей серебром. Нужно сказать, что Николай Павлович был завсегдатаем театральных премьер. Так, он оказался одним из первых зрителей постановки Гоголевского «Ревизора» в 1836 году. Острая сатира на русское чиновничество настолько понравилась государю, что по окончании пятого действия он сказал: «Ну и пьеса! Всем досталось, а мне более всех!».
Интересно, что известный своей цензурной политикой, Николай I верно понял замысел Гоголя — чиновники как слуги государевы в первую очередь дискредитировали его самого, а потом уже себя. По высочайшему разрешению пьеса была разрешена к постановке во всех театрах страны. Возможно, в назидание другим губернским чиновникам.
Помимо чиновничества, объектами хлесткой сатиры современников становились купцы, любимые персонажи Александра Николаевича Островского. Одна из первых пьес драматурга «Свои люди — сочтемся» получила негативный отзыв правительства и была запрещена к постановке, несмотря на высокую оценку того же Гоголя.
Цензор Гедеонов написал: «Все действующие лица: купец, его дочь, стряпчий, приказчик и сваха, отъявленные мерзавцы. Разговоры грязны, вся пьеса обидна для русского купечества». Однако за Островским, открывшим посад для московской публики, закрепилось прозвище «Колумб Замоскворечья».
Нельзя не упомянуть вклад Антона Павловича Чехова. Как бы удивительно это ни звучало, но его главные пьесы «Вишневый сад» и «Чайка» относятся к комедийному жанру. Спектакли по Чехову, с огромным успехом шедшие в Московском Художественном театре, полны лирического трагизма, сочетающего в себе иронию, грустный юмор и едкую сатиру на интеллигенцию и дворянство пореформенного периода.
Это сочетание со всей очевидностью показывало неспособность этих людей приспособиться к новой жизни, а с другой стороны являлось тревожным предвестником грядущих перемен.
В послереволюционное время комедия все так же являлась сатирой, высмеивающей все то же дворянство, а потом и новую власть.
Советская комедия, как киношная, так и театральная, обладала своей спецификой и в другом смысле. «Безыдейность» и «формализм» осуждались, нужно было говорить и писать о животрепещущих проблемах построения нового общества, клеймить империалистов и загнивающий Запад.
Конечно, театральные помосты не были тождественны трибуне партийного съезда, но и там все должно было быть идеологически чисто. Если хотели сказать что-то отклоняющееся от «генеральной линии партии», то нужно было осваивать «Эзопов язык», уметь выразить свою мысль иносказательно. Так что форма не всегда соответствовала содержанию.
Флагманом комедийного направления в советском театре можно считать театр Сатиры. Именно так, с большой буквы и с большим уважением в этом театре относились к комическому жанру.
Летом 1923 года группа энтузиастов-выходцев из сатирического журнала «Крокодил» организовала сатирический театр, в котором было решено ставить пьесы на политические и бытовые темы.
1 октября 1924 года двери Московского театра Сатиры открыли для первых зрителей.
За свою почти вековую историю на сцене театра были показаны тысячи постановок, среди которых были как классические постановки зарубежных («Слуга двух господ» Гольдони, «Безумный день или Женитьба Фигаро» Бомарше) и отечественных («Доходное место» Островского, «Ревизор» Гоголя) авторов, так и пьесы современных драматургов.
На сцене театра с огромным успехом шли «Маленькие комедии большого дома» по пьесе Аркадия Арканова и Григория Горина, в которых в присущей только им манере высмеивались пороки советского общества 1970-х годов — вещизм, бюрократизм, борьба за квадратные метры — и вместе с этим показывались светлые стороны человеческой натуры — доброта, умение дружить и любить, открытость и искренность.
Под руководством главного режиссера Валентина Плучека, бывшего главным режиссером театра с 1957 по 2000 год, собралась труппа первоклассных актеров, имена которых знает, пожалуй, каждый читатель: Андрей Миронов, Татьяна Пельтцер, Евгений Весник, Рина Зеленая, Александр Ширвиндт, Михаил Державин и многие другие актеры, известные на всю страну по кинофильмам. Зрители могли оценить игру актеров на сцене, но и по телевизору транслировались записи самых лучших спектаклей.
Так человек из любого уголка Советского Союза мог познакомиться с лучшими постановками московских театров. И вот Анатолий Папанов уже предстает в образе Городничего в гоголевском «Ревизоре», а Спартак Мишулин становится Карлсоном, мужчиной в самом расцвете сил.
Естественно, как и в любом театре, в театре Сатиры активно сочинялись разного рода театральные байки, которые потом передавались изустно по всей Москве. Излюбленными персонажами такого рода баек были режиссеры и театральные «старики».
Среди таких «стариков» особой популярностью пользовался Георгий Баронович Тусузов, который за более чем полувековую службу театру сыграл около трех тысяч ролей, среди которых не было ни одной главной. О Тусузове говорили, что чего не помнит он, того уже не вспомнит никто, так долго он жил на свете.
Горькая шутка принадлежит Анатолию Папанову: «Умереть не страшно. Страшно, если над твоим гробом в почетном карауле будет стоять Егорушка». Папанов ушел из жизни в 1987 году в возрасте 64 лет, спустя год после смерти 94-летнего Тусузова.
Популярность театра также подогревалась количеством запрещенных спектаклей. Так, бдительные цензурные органы запретили постановку булгаковского «Ивана Васильевича» после первого же просмотра. Так же был запрещен «Теркин на том свете» Александра Твардовского. Были в репертуаре театра постановки и на события недавнего прошлого.
Так, в конце 1980-х годов на сцене театра с огромным успехом шел спектакль «Бремя решения» по пьесе Федора Бурлацкого, посвященной Карибскому кризису. На сцене советского театра шел спектакль о… президенте Соединенных Штатов Америки! Причем образ президента Кеннеди трактовался положительно, чему в немалой степени способствовала актерская игра Андрея Миронова. «...В центре Москвы в одном из лучших театров столицы состоялась премьера, рассказывающая о 35-м президенте США, сумевшем в решающий момент сказать «нет» военно-промышленному комплексу и заявившем о необходимости искать новых путей в отношениях с СССР, путей взаимовыгодного сотрудничества, а не конфронтации», — писал театральный критик Михаил Швыдкой.
Таким образом, театр Сатиры раскрывал разные грани комического: от ярко комедийного до трагически лиричного. Главное, что удавалось и удается этому театру сегодня — с неизменным уважением и профессионализмом относиться как к классике, так и к современным пьесам.
Классика на сцене театра Сатиры всегда злободневна, в такие моменты понимаешь, что между нами и людьми прошлого не такая уж и большая разница.
И это было еще одним достижением театра, а в особенности комедии, — умение приходить к зрителю через все цензурные препоны, которые не всегда были обоснованы, и показать ему людей любого века близкими знакомыми.
специалист по истории советской повседневности
Комедия — это самый противоречивый жанр театрального искусства, ведь только он претерпел значительное смысловое преображение. Так, первоначально в рамках комедии реализовывалась идея борьбы, противостояния, где в самом конце главные герои приходят к некоему консенсусу. Главным отличием от трагедии было отсутствие смерти в конце. С течением времени сатира в комедии, в которую обличали обсуждение важных проблем, стала ее главной отличительной чертой. Еще в Древней Греции в комедиях Аристофана можно было увидеть шутливые зарисовки на темы, посвященные политическим событиям в Афинах. С течением времени в этот жанр внедрились и сюжеты бытового характера, так как кризис власти позднего Эллинизма просто не позволял выйти на какие-то яркие политические темы.
Как мы уже говорили ранее, становление русского профессионального театра приходится на середину XVIII века. Поначалу основу репертуара новоиспеченного театра составляли легкие пьесы, способные пробить зрителя на слезу.
Постепенно русского зрителя начинают приобщать к классике мирового драматического искусства, правда, их переводы были не всегда близки к оригиналу.
Например, шекспировский Гамлет в переводе драматурга А. П. Сумарокова мало походил на принца Датского, поэтому впоследствии пришлось делать новый перевод.
Война 1812 года, ставшая своеобразной отправной точкой для очередного периода русской истории, дала толчок в том числе и к развитию русского драматического искусства.
В конце царствования Александра I, в 1825 году, Александр Сергеевич Грибоедов создает известную многим поколениям россиян пьесу «Горе от ума». Остроумная поэтическая комедия о противостоянии молодого человека косности и формализму московского общества первой четверти XIX века дошла до широкого зрителя не сразу.
Первые постановки в Петербурге запрещались, и только лишь в 1831 году она была поставлена в Александринском театре Санкт-Петербурга.
В том же году пьеса была поставлена в Москве при участии тогдашних звезд театральных помостов — Михаила Щепкина и Павла Мочалова, исполнивших соответственно Фамусова и Чацкого. Умелая проработка пьесы драматургом (стихотворная форма, сочетание новаторства и классических приемов, афористичность слога), помноженная на великолепную актерскую игру, произвели неизгладимое впечатление на всех зрителей.
Не остался в стороне и государь Николай I. Примечательно, что особого расположения императора добился игравший второстепенную роль престарелого князя Тугоуховского актер Степанов, получивший в награду императорский перстень и тысячу рублей серебром. Нужно сказать, что Николай Павлович был завсегдатаем театральных премьер. Так, он оказался одним из первых зрителей постановки Гоголевского «Ревизора» в 1836 году. Острая сатира на русское чиновничество настолько понравилась государю, что по окончании пятого действия он сказал: «Ну и пьеса! Всем досталось, а мне более всех!».
Интересно, что известный своей цензурной политикой, Николай I верно понял замысел Гоголя — чиновники как слуги государевы в первую очередь дискредитировали его самого, а потом уже себя. По высочайшему разрешению пьеса была разрешена к постановке во всех театрах страны. Возможно, в назидание другим губернским чиновникам.
Помимо чиновничества, объектами хлесткой сатиры современников становились купцы, любимые персонажи Александра Николаевича Островского. Одна из первых пьес драматурга «Свои люди — сочтемся» получила негативный отзыв правительства и была запрещена к постановке, несмотря на высокую оценку того же Гоголя.
Цензор Гедеонов написал: «Все действующие лица: купец, его дочь, стряпчий, приказчик и сваха, отъявленные мерзавцы. Разговоры грязны, вся пьеса обидна для русского купечества». Однако за Островским, открывшим посад для московской публики, закрепилось прозвище «Колумб Замоскворечья».
Нельзя не упомянуть вклад Антона Павловича Чехова. Как бы удивительно это ни звучало, но его главные пьесы «Вишневый сад» и «Чайка» относятся к комедийному жанру. Спектакли по Чехову, с огромным успехом шедшие в Московском Художественном театре, полны лирического трагизма, сочетающего в себе иронию, грустный юмор и едкую сатиру на интеллигенцию и дворянство пореформенного периода.
Это сочетание со всей очевидностью показывало неспособность этих людей приспособиться к новой жизни, а с другой стороны являлось тревожным предвестником грядущих перемен.
В послереволюционное время комедия все так же являлась сатирой, высмеивающей все то же дворянство, а потом и новую власть.
Советская комедия, как киношная, так и театральная, обладала своей спецификой и в другом смысле. «Безыдейность» и «формализм» осуждались, нужно было говорить и писать о животрепещущих проблемах построения нового общества, клеймить империалистов и загнивающий Запад.
Конечно, театральные помосты не были тождественны трибуне партийного съезда, но и там все должно было быть идеологически чисто. Если хотели сказать что-то отклоняющееся от «генеральной линии партии», то нужно было осваивать «Эзопов язык», уметь выразить свою мысль иносказательно. Так что форма не всегда соответствовала содержанию.
Флагманом комедийного направления в советском театре можно считать театр Сатиры. Именно так, с большой буквы и с большим уважением в этом театре относились к комическому жанру.
Летом 1923 года группа энтузиастов-выходцев из сатирического журнала «Крокодил» организовала сатирический театр, в котором было решено ставить пьесы на политические и бытовые темы.
1 октября 1924 года двери Московского театра Сатиры открыли для первых зрителей.
За свою почти вековую историю на сцене театра были показаны тысячи постановок, среди которых были как классические постановки зарубежных («Слуга двух господ» Гольдони, «Безумный день или Женитьба Фигаро» Бомарше) и отечественных («Доходное место» Островского, «Ревизор» Гоголя) авторов, так и пьесы современных драматургов. На сцене театра с огромным успехом шли «Маленькие комедии большого дома» по пьесе Аркадия Арканова и Григория Горина, в которых в присущей только им манере высмеивались пороки советского общества 1970-х годов — вещизм, бюрократизм, борьба за квадратные метры — и вместе с этим показывались светлые стороны человеческой натуры — доброта, умение дружить и любить, открытость и искренность.
Под руководством главного режиссера Валентина Плучека, бывшего главным режиссером театра с 1957 по 2000 год, собралась труппа первоклассных актеров, имена которых знает, пожалуй, каждый читатель: Андрей Миронов, Татьяна Пельтцер, Евгений Весник, Рина Зеленая, Александр Ширвиндт, Михаил Державин и многие другие актеры, известные на всю страну по кинофильмам. Зрители могли оценить игру актеров на сцене, но и по телевизору транслировались записи самых лучших спектаклей.
Так человек из любого уголка Советского Союза мог познакомиться с лучшими постановками московских театров. И вот Анатолий Папанов уже предстает в образе Городничего в гоголевском «Ревизоре», а Спартак Мишулин становится Карлсоном, мужчиной в самом расцвете сил.
Естественно, как и в любом театре, в театре Сатиры активно сочинялись разного рода театральные байки, которые потом передавались изустно по всей Москве. Излюбленными персонажами такого рода баек были режиссеры и театральные «старики».
Среди таких «стариков» особой популярностью пользовался Георгий Баронович Тусузов, который за более чем полувековую службу театру сыграл около трех тысяч ролей, среди которых не было ни одной главной. О Тусузове говорили, что чего не помнит он, того уже не вспомнит никто, так долго он жил на свете.
Горькая шутка принадлежит Анатолию Папанову: «Умереть не страшно. Страшно, если над твоим гробом в почетном карауле будет стоять Егорушка». Папанов ушел из жизни в 1987 году в возрасте 64 лет, спустя год после смерти 94-летнего Тусузова.
Популярность театра также подогревалась количеством запрещенных спектаклей. Так, бдительные цензурные органы запретили постановку булгаковского «Ивана Васильевича» после первого же просмотра. Так же был запрещен «Теркин на том свете» Александра Твардовского. Были в репертуаре театра постановки и на события недавнего прошлого.
Так, в конце 1980-х годов на сцене театра с огромным успехом шел спектакль «Бремя решения» по пьесе Федора Бурлацкого, посвященной Карибскому кризису. На сцене советского театра шел спектакль о… президенте Соединенных Штатов Америки! Причем образ президента Кеннеди трактовался положительно, чему в немалой степени способствовала актерская игра Андрея Миронова. «...В центре Москвы в одном из лучших театров столицы состоялась премьера, рассказывающая о 35-м президенте США, сумевшем в решающий момент сказать «нет» военно-промышленному комплексу и заявившем о необходимости искать новых путей в отношениях с СССР, путей взаимовыгодного сотрудничества, а не конфронтации», — писал театральный критик Михаил Швыдкой.
Таким образом, театр Сатиры раскрывал разные грани комического: от ярко комедийного до трагически лиричного. Главное, что удавалось и удается этому театру сегодня — с неизменным уважением и профессионализмом относиться как к классике, так и к современным пьесам.
Классика на сцене театра Сатиры всегда злободневна, в такие моменты понимаешь, что между нами и людьми прошлого не такая уж и большая разница.
И это было еще одним достижением театра, а в особенности комедии, — умение приходить к зрителю через все цензурные препоны, которые не всегда были обоснованы, и показать ему людей любого века близкими знакомыми.